ImaginArt from recreat on Vimeo.

musica di Bob Mintzer

ideato, programmato e suonato da Marco Domenichetti e Daniel Collado

Duo vuole essere un incontro tra Bob Mintzer e le nuove tecnologie, tra passato e real time, tra strumento musicale e elettronica, tra analogico e digitale.

Software realizzato con Max/Msp. Per info marcodomenichetti@gmail.com

Un ringraziamento a:

Bob mintzer, Peter Erskine, Agustì Ciurans, Jordi Sanchez e a jazz Italia per la partitura

scarica qui la partitura e la scheda tecnica

in-COMPOSIZIONE è un progetto ideato e prodotto da AGON / Centro Studi Armando Gentilucci, in collaborazione con il Conservatorio di Milano, il Conservatorio di Como e l’Accademia Internazionale della Musica di Milano; realizzato grazie alla volontà e al contributo della Fondazione Dragoni. Si tratta di un progetto singolare: un concerto (anzi, tre concerti, perchè l’evento sarà proposto in tre date a Milano e Como) dedicato e concepito per giovani studenti di composizione con l’utilizzo delle nuove tecnologie. A sei studenti delle scuole che partecipano al progetto sono state commissionate nuove opere in prima esecuzione.
Singolarità dellâ’iniziativa è innanzitutto il fatto che si è voluto dar vita, attraverso queste commissioni, all’idea di un progetto artistico completo, in forma di concerto, capace di racchiudere all’interno dellâ’evento le diverse concezioni musicali dei giovani compositori e le relative forme di manifestazione. Un concerto che nasce dall’intenzione di far convivere alcune tra le differenti forme possibili di musica e arte che si intrecciano nella poliedrica e complessa esperienza artistica in questo tempo veloce del nuovo millennio. La presenza di piú media artistici, di piú discipline, alla ricerca di linguaggi comuni e condivisi, è stata una prerogativa del progetto. Agli studenti è stato offerto un ampio ventaglio di possibilità , dalla musica per nastro solo a musica con strumenti tradizionali ed elettronica; musica con video, pittura, danza; installazioni e giochi interattivi.

Ciò che ne è uscito, è una variegata manifestazione del pensiero musicale dellâ’oggi; il loro rapporto con temi e problematiche antiche, la forma, il bello, il suono- ed altre affatto nuove, portatrici di nuovi dubbi, nuove inquietudini e nuovi stimoli per la curiosità .
Nelle loro unicità , questi brani, racchiudono le affinità , sempre diverse e sempre uguali, dello stimolo creativo; stimolo volto alla comprensione, da una parte della necessità di un’esperienza artistica capace di aiutarci a conoscerci nel mondo, e dallâ’altra, del ruolo stesso dell’artista: di colui che ‘e in grado di introdurci e farci perdere in un mondo di sensazioni astratte. Di particolare importanza, in questo progetto, è la collaborazione tra centri didattici di istruzione musicali e centro di ricerca e produzione; un momento di contatto che apre nuove ed urgenti riflessioni sul futuro di questi istituti, alla luce della riforma scolastica in corso, che rimodella completamente l’aspetto delle scuole e del mercato del lavoro artistico, che influenza e determina la sopravvivenza dei centri di produzione.
Forse il punto di contatto tra questi due mondi passa proprio attraverso gli studenti. Per loro il momento realizzativo, messo in atto nello studio di produzione, porta la conoscenza concreta della pratica musicale, e li investe di una responsabilità esecutiva a cui un futuro compositore è chiamato a rispondere.
Dagli studenti si riceve la freschezza delle idee, l’entusiasmo e la consapevolezza che la formazione che stiamo dando loro, l’energia investita, ci ritornerà sotto forma di molteplici collaborazioni.

L”origine
Il progetto di Alfabetizzazione Musicale per bambini, dopo una prima fase di attività sperimentale condotta presso l’IRCAM-Centre G. Pompidou di Parigi, è stato portato in Italia per volontà del M° Luciano Berio che ha costituito un’equipe di compositori e sviluppatori informatici al fine di introdurre l’iniziativa nelle scuole elementari italiane.
Il progetto è stato realizzato nelle citt di Siena, Firenze, Milano, Roma, Radicondoli.

Il corso
Il corso di alfabetizzazione si propone come un viaggio di esplorazione nell’ universo sonoro rivolto ai bambini delle classi terze delle scuole elementari; si svolge in un laboratorio di informatica musicale il cui allestimento è a cura del Centro Tempo Reale.
Durante questo viaggio i bambini conoscono il suono in tutti i suoi aspetti, lo trasformano, lo collocano nel tempo a formare ritmi e melodie, realizzano le proprie composizioni sonore e musicali e infine le presentano a un pubblico con la guida dei docenti.

Obiettivo
L’ obiettivo è sviluppare nel bambino le premesse che gli consentano di intraprendere qualunque attività musicale, ma anche di metterlo in grado di manipolare il suono con un’ immediatezza che altri mezzi non consentono.
Si tratta di trasmettere quello che è il denominatore comune a tutte le pratiche e conoscenze musicali, di ogni tempo e di ogni luogo: non una tecnica strumentale, non la conoscenza di un sistema musicale, ma piuttosto una attitudine propria del musicista, che consiste in una sensibilità e gusto per il suono che viene qui promossa con un avvincente percorso di educazione all’ ascolto alls portata di bambino, basato su una storia-metafora di esplorazione e scoperta.

Modalità
Per sviluppare una reale sensibilità nei confronti del suono occorre ‘mettere le mani in pasta’, cioè passare attraverso la composizione: trasformare i suoni, combinarli, metterli in relazione secondo una idea.
L’ idea-guida, infatti, è quella del bambino-compositore: per quanto giovane e inesperto, un bambino di otto anni può essere autore di una propria composizione musicale, come è autore di un testo che viene accolto come poesia o di un’ opera grafica, a patto che gli vengano messi a disposizione gli strumenti adeguati.

Strumenti
Le condizioni per essere autori di una propria composizione si verificano, nell’ educazione musicale tradizionale, al termine di un lungo percorso che implica la conoscenza della notazione musicale, la pratica strumentale e un apposito studio dedicato alla creazione musicale.
Oggi gli strumenti informatici consentono di aggirare l’ ostacolo, grazie a interfacce grafiche concepite e sviluppate appositamente dall’ equipe del Centro Tempo Reale che permettono ai bambini di agire sui parametri del suono in accordo con i principi fondamentali della composizione senza necessariamente conoscere la teoria musicale.
In questo modo la distanza temporale tra il momento della concezione dell’ idea e il momento in cui si è in grado di realizzarla si riduce fortemente, e un bambino di otto anni è messo nelle condizioni di farsi autore della propria composizione.

Articolazione del corso
Il corso, di durata triennale, si articola in sedici-venti incontri settimanali di 60-75 minuti ciascuno per ognuno dei tre livelli didattici; le lezioni sono curate da due docenti del Centro Tempo Reale.
Il primo livello didattico (primo anno, realizzabile anche come esperienza autonoma) è dedicato in particolare alla esplorazione del suono in tutti i suoi aspetti e alla creazione di strutture sonore: descrizione del suono attraverso le sue caratteristiche, trasformazione del suono, composizione di suoni.
Il secondo livello (secondo anno) è dedicato alle forme musicali e il terzo (terzo anno) a una performance musicale complessa basata su sensori interattivi.
Durante i mesi di attività i docenti conducono anche incontri e seminari sul metodo di Tempo Reale e sulla didattica musicale con le nuove tecnologie rivolti agli insegnanti delle classi coinvolte.
more

La mostra/evento, organizzata da Agon(un centro di produzione e ricerca musicale), in collaborazione col Comune di Vigevano, è rivolta a bambini di tutte le età ma in special modo ai bambini dell’ultimo anno della scuola materne e del triennio delle elementari delle scuole vigevanesi.

Il percorso interattivo è una mediazione fra il nuovo e l’antico, crea all’interno della suggestiva strada sotterranea uno spazio magico e giocoso che permetterà ai giovanissimi visitatori di giocare ed esplorare un mondo di suoni ed immagini che investiranno tutti i loro cinque sensi, tutto questo grazie alle installazioni sonore e multimediali interattive.

I bambini potranno infatti guardare, toccare, annusare, sentire, parlare, scrivere e, ovviamente, degustare il DolceRiso del Moro, vero leit motiv dell’evento: il dolce tradizionale vigevanese dalle origini rinascimetali ha infatti ispirato una storia dove la preparazione del dolce viene riletta in chiave fiabesca, attraverso la sua “nascita”, cottura e preparazione.

C’era una volta di qua e di là, un pasticcere burlone che inventò il prelibato DolceRiso…, così si legge nella “sibillina” locandina dell’evento, da cui fanno capolino anche una principessa curiosa, un garzone ficcanaso e tanti bambini…

Il suono diverrà il cantastorie che avvolge lo spettatore accompagnandolo in un’indimenticabile passeggiata all’interno del Castello e dando la suggestione che i muri stessi contribuiscano a narrare la storia; inoltre vi saranno ambienti sonori in movimento fatti da voci, filastrocche, strumenti antichi e suoni d’ambiente, giochi di echi, trasformazione e spazializzazione in tempo reale delle voci dei bambini, foto in movimento e video modellati e creati da azioni degli stessi spettatori.

EYFO (European Youth Folk Orchestra)
“Enfants terribles”

a Eyfo è la prima orchestra giovanile europea di musica tradizionale.
Il disco nasce dalla produzione del corrispondente concerto, commissionata dal Comune di Vercelli ad Ethnosuoni nell’ambito dell’edizione 2001 di Folkermesse, a cui hanno preso parte undici giovani e preparatissimi musicisti provenienti da Svezia, Norvegia, Finlandia, Germania, Francia, Inghilterra, Irlanda, Spagna ed Italia. La Eyfo nasce con il supporto della European Network of Traditional Music and Dance, un organismo sovranazionale che, sotto l’egida della Commissione Europea, riunisce i principali folk-festival del Vecchio Continente, tra cui naturalmente Folkermesse.

Obiettivo primario di questa orchestra giovanile è porre a confronto le musiche e le tradizioni dei diversi paesi europei, favorendo lo scambio fra i musicisti provenienti dalle diverse nazioni e sviluppando così la conoscenza reciproca dei rispettivi repertori tradizionali ed il rispetto per le reciproche differenze. Nella Eyfo, ciascun musicista apporta il proprio repertorio, le proprie conoscenze, gli strumenti tradizionali e, attraverso il canto, i suoni delle diverse parlate e lingue, di cui ciascuno è testimone dall’interno delle principali folk band attive nei rispettivi Paesi d’origine.

La Eyfo vuole dunque essere un contributo ad un’Europa che sappia esaltare gli elementi comuni delle diverse genti, preservandone al tempo stesso le peculiarità: un’Europa che sappia guardare al futuro senza perdere il contatto con le proprie radici e nella quale la difesa delle specificità dei singoli diventi strumento di comprensione e tolleranza nei confronti degli altri.

PPresentazione
Da tempo l’Europa dispone di orchestre giovanili di musica classica, di musica barocca, di jazz: la creazione di un’orchestra giovanile votata al repertorio tradizionale era dunque cosa giusta e doverosa.
Oltretutto le musiche popolari dei diversi Paesi e delle diverse minoranze etniche rappresentano, proprio nella loro varietà, uno di quei patrimoni che l’Europa vuole e deve salvaguardare. Per evitare una “museificazione” della musica tradizionale, per mantenerla dunque viva e vitale, bisogna rendere il repertorio tradizionale accessibile e fruibile dal più alto numero di persone possibile: ci sembra perciò ancor più denso di significati il fatto che proprio a dei giovani sia affidato questo compito. D’altra parte, una migliore conoscenza degli “altri”, dei prodotti del loro ingegno (e quindi dei loro gusti, attitudini e sensibilità), l’individuazione degli elementi comuni e delle salutari diversità che scaturisce da un simile confronto, sono fra gli obiettivi riconosciuti e dichiarati dell’Europa unita.

La European Youth Folk Orchestra (per brevità ribattezzata EYFO) sarebbe però rimasta una pura idea se non si fosse potuto fare affidamento su di un Comune coraggioso come quello di Vercelli – che ha creduto nel progetto e messo a disposizione una larga parte dei mezzi necessari alla sua realizzazione – , sulla cooperazione dei membri dell’ European Network of Traditional Music and Dance, che hanno selezionato con determinazione e celerità i musicisti più adatti e competenti, e sul sostegno economico della Commissione Europea.

mportante è stata anche la scelta della persona a cui affidare arrangiamenti e direzione artistica del progetto. Pär Moberg non ha solo dato prova di competenza, sensibilità e fantasia nella stesura delle parti, ma ha anche assunto un atteggiamento positivo e costruttivo nella propria veste di direttore del gruppo durante l’allestimento dello spettacolo: sempre disponibile al dialogo e, se necessario, a rimettere in discussione collettivamente le proprie scelte. Questo ha di molto contribuito a creare un’atmosfera di costruttiva collaborazione fra gli undici giovani coinvolti: costoro, da parte loro, hanno dimostrato piacere nel lavorare assieme, grande capacità di amalgama lungi da perniciosi personalismi, curiosità e rispetto per le musiche, culture e lingue di cui ogni altro musicista era portatore.

Così ora la EYFO si è trasformata in uno dei progetti pilota ed in certa misura simbolo del lavoro e delle aspirazioni dell’European Network of Traditional Music and Dance.

Qualcuno dei musicisti dell’orchestra avrebbe preferito ribattezzare la band EFO, rinunciando a quello Youth (giovanile), che a qualcuno forse potrebbe suonare sinonimo di dilettantismo o scarsa professionalità. Chi ha avuto occasione di vedere il gruppo all’opera, conosce l’altissimo livello qualitativo dei singoli strumentisti e cantanti. Agli altri vorrei rammentare che Mozart scrisse la sua prima composizione a cinque anni, e a dieci era già concertista di fama europea: per contro vi sono musicisti dei quali si può dire che l’unica maturità che hanno acquisito con gli anni è quella anagrafica.

IIl Presidente della ENTMD: Jany Rouger
L’ideatore della Eyfo: Maurizio Martinotti

Componenti
Pär Moberg: saxofoni, didjeridoo, arrangiamenti, direzione musicale
Marco Domenichetti piffero, flauti, cori
Piia Kleemola: violino, viola, kantele, jouhikko, cori
Jérôme Liogier: ghironda
Pablo Martin: percussioni
David O’Connell: chitarra, bouzuky, cori
Holly Sheldrake: canto, violino, piano
Johannes Uhlmann: organetto diatonico, violino, cori
Anna Tabbush: voce solista, violino, flauto
Åse Teigland: hardanger fiddle
Anna-Kristina Widell: nickelharpa

Ideazione: Maurizio Martinotti per il Comune di Vercelli, Folkermesse 2001
Produzione e mixaggio: Pär Moberg
Arrangiamenti: Pär Moberg
Registrato dal vivo a Vercelli e Lecco, 8-9 giugno 2001
Tecnici del suono: Renzo Ceroni, Lucio Pasquino
Sovraincisioni: Sunnanå Studio, Malmö (Sweden), November 2001
Post produzione ed editing: Enrico Paronuzzi, Maurizio Martinotti

I brani
Fine sailing
Un canto tradizionale inglese, che narra di vero amore e di tradimento: lui, sinceramente innamorato, parte per mare donando un prezioso anello alla sua bella, ma questa non accetta di rimanere sola e lo tradisce.

Reel World Germany
Reel World Germany è un gioco di parole fra real (reale) e reel, una danza di origine britannica. La suite mescola infatti un brano di origine tedesca – “Hupf Auf!” – ed un Rant inglese, “Morpeth Rant”.

Marriage at Springtime
Marriage at Springtime (matrimonio in primavera) è un’altra suite che comprende “Questua delle uova”, un canto rituale raccolto da Maurizio Martinotti nell’Alessandrino, “Brurarslått”, un tema nuziale proveniente dalla Norvegia occidentale e per finire una giga irlandese, “Ms. Martins”.

Western Connection
Questa suite rappresenta la trasposizione in musica dei tanti contatti occorsi tra le isole britanniche e le terre norvegesi fin dall’epoca dei Vichinghi: inizia infatti con un brano norvegese, “So sulla ho mor”, seguito da due hornpipes irlandesi, “Mc Gibneys” e “The Good-natured Man”

Enfant terrible
Questa suite, da cui trae spunto il titolo di questo CD, comprende diversi brani: “Bonnie at Morn” proviene dal Northumberland, nel nord-est dell’Inghilterra. Racconta di una donna che culla il suo bimbo ed al tempo stesso sgrida i suoi pigri e disobbedienti figli maggiori. “Mazurka des trois moineux”, letteralmente la mazurca dei 3 passeri, viene dalla Francia ed è una composizione del maestro di organetto Yves Becouze, dedicata a tre suoi giovani alunni. “Valzer caprifoglio per E.”: il caprifoglio è una pianta rampicante spontanea, da cui si trae un’essenza dal profumo fresco e intenso. Marco Domenichetti, rappresentante italiano nella EYFO, ne ha invece tratto un valzer, dedicato ad Emanuela e al suo profumo di caprifoglio.

Dünnbier
Johannes Uhlmann, rappresentante tedesco nella EYFO, ha composto questo brano pensando a tutti coloro che come lui suonano l’organetto diatonico e che come lui potrebbero temere le insidie di una birra troppo calda in un assolato festival estivo. Dapprima lento, in soave attesa di una “lager” gelata, il brano degenera in una frenesia di suoni all’arrivo della tremenda brodaglia tiepida.

Viva Polonia II
“Fritson Polkka” viene dalla Finlandia ed è dedicata alla figura di Fritso, un violinista tradizionale vissuto nella zona di Kaustinen. Segue “Polka à Chabassie”, un’aria tradizionale del centro della Francia.

Trois tres colme
Una suite di temi in tempo di 3/4: “Himlens Polska” (polska del paradiso) viene dalla zona costiera della Finlandia dove si parla svedese. “Polonas ur Sexdregasamlingen” è tratta da un’antica raccolta svedese di musiche popolari. Chiude la suite “Bourrée à Ribeyrolles”, che deve il suo nome ad un suonatore di cabrette, la cornamusa in uso nel centro della Francia, dove la bourrée è la danza tradizionale più diffusa.

Mother and son
Suite di due brani spagnoli: il primo, “Son d’Arriba”, viene dal nord, mentre il secondo, “Baile Corrido Castellano”, viene dalla ‘meseta’, l’altopiano centrale.

Eyfo mach I – Eyfo mach II
Due nuove composizioni scritte appositamente per la EYFO dal suo arrangiatore e direttore, il Maestro svedese Pär Moberg.

25.26.27.28.29 gener 2010

MAX/MSP o com interactuar tecnològicament amb la música i la creativitat.

Al llarg de la setmana aprendrem i experimentarem algunes de les múltiples possibilitats que ens ofereix el software per tal de treballar creativament en una performance, interactuant amb les noves tecnologies, amb un objectiu final: crear una obra conjunta en temps real entre el músic i els alumnes del workshop.

Exhibició divendres 29 de gener a les 20h. rocaumbert|f.a.

Docencia:

Docència:
Marco Domenichetti músic, programador
David Morella tècnic de so de l’estudi d’enregistrament del CUB
Jorge Sanjuas. trompeta

Temari:

Presentació i possibilitats del software MAX/MSP
Explicació del workshop i audició d’un treball ja elaborat.
Teoria i pràctica d’àudio digital i enregistrament d’àudio.
Pràctiques i experimentació individual i en xarxa.
Preparació i muntatge d’una performance.

A qui va destinat/requisits:

Músics, artistes visuals, multimèdies, tècnics de so… persones amb inquietut vers les noves tecnologies.
Nivell mínim d’informàtica i d’ús d’ordinador. Mac/PC (no requereix coneixements en programació)
Nivell mínim o inquietut musical.
Qui vulgui pot treballar amb el seu ordinador portàtil.
Es prega la màxima participació en totes les jornades del curs.

Inscripsions: aforament limitat

www.ctug.cat
93 538 12 00

+ info

presenta:

LA VEDOVA BIANCA

Testo e regia di Ancilla Oggioni

Con Ancilla Oggioni e Enrico De Meo

Sonorizzazione dello spazio: Marco Domenichetti

Attraverso una storia d’amore, lo spettacolo presenta uno degli aspetti più delicati e controversi delle varie problematiche che ruotano intorno al carcere. Non un’ opinione univoca sul sistema carcerario, ma un’ occasione di riflessione sul tanto discusso carattere rieducativo di quest’ ultimo.
La scena mostra le vite parallele di una coppia divisa dal carcere. Gli unici contatti sono quelli rappresentati dalle lettere che ci illustrano lo scorrere diverso del tempo e delle emozioni.
La separazione modifica la percezione dell’esistenza e, indipendentemente dalla colpa, dalla pena e dalla legge, è sopportabile solo grazie alla speranza. Speranza di riunirsi, di vivere lo stesso tempo, di scoprire che l’attesa e la pena non sono state inutili.
L’aspetto più poetico del testo incontra in scena il realismo di immagini, voci e rumori (lo spettacolo è in quadrifonia) registrati nel carcere di Bollate, in un montaggio che rivela il contrasto tra il luogo comune della storia d’ amore e la realtà quotidiana della cronaca. Ne è risultato uno spettacolo con un taglio documentaristico di forte impatto emotivo.

“Dedico lo spettacolo agli uomini che cercano la ricchezza in quel che danno, non in quel che prendono, e cercano la forza in quel che sono, non in quel che hanno; agli uomini che credono negli uomini e si battono con loro e per loro e non contro di loro; agli uomini che fanno le cose in cui credono e credono nelle cose che fanno.
Dedico questo spettacolo a chi sogna a chi spera a chi attende.”

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Per sentieri diversi ci si incammina a una festa, sentieri così diversi che ognuno è una storia, un piccolo mondo a se. C’è chi abita un territorio forte di tradizione e, per raggiungere una festa da ballo di tradizione, semplicemente trasloca da un paese all’altro in una sorta di transumanza musicale e festosa, naturale come il susseguirsi delle stagioni, antica quanto i rituali del mondo contadino e la memoria dei vecchi. C’è chi arriva da assai più lontano, da altre regioni e dalle grandi città: per passione, per fortuna, per destino, magari seguendo un amico, o un suono o un disco ascoltato. Magari inseguendo inconsciamente quella dimensione che, a chi vive nelle aree urbane, non appartiene più: e che fa della festa (la cui origine primordiale è religiosa, momento ‘sacro’ che interrompe il tempo ‘profano’ quotidiano) una vera e propria liturgia dell’esistenza. Dove la musica, il canto e la danza comunicano il senso dell’appartenenza ad una comunità, preservandoci dallo sradicamento e dallo smarrimento.

E proprio il cittadino che giunga per sentieri un pò casuali nel bel mezzo di una festa da ballo nella zona delle “Quattro Province” (e qui di feste, specie d’estate, se ne tengono davvero tante), avverte sorpreso (così è accaduto a chi scrive) che si trova in un luogo e in un tempo privilegiati dove questo senso di appartenenza e di tradizione è particolarmente vivo. Come lo avverte? Tutta la situazione intorno a lui glielo trasmette, Psicamente. C’è il suo suono acuto e incantatore dello strumento-principe della zona, il piffero, carico di secoli e leggende, c’è la fisarmonica che lo accompagna con le sue impagabili armonie; c’è la musica tradizionale del repertorio da piffero, vivace o malinconica, tutta da danzare con i suoi balli antichi, Alessandrine e Monferrine, e più moderni, Valzer, Mazurke e Polche. E c’è la gente, una quantità di individui diversissimi per età, provenienza, occupazioni, attratti dalla musica e dalla danza come da un irresistibile richiamo agglomerante. Ci sono i canti, che nascono improvvisi da un gruppo di uomini misteriosamente riuniti in cerchio, ci sono i ballerini, provetti e principianti, ma tutti accaniti e mai sazi… E ci sono i suonatori, naturalmente. Sono i suonatori che ‘portano” la festa. In passato, li si investiva addirittura di un potere magico, quello inconoscibile del suono. Di nuovo, il cittadino poco accorto può stupire.

A vedere Marco e Daniele sul palco ad esempio (il palco è, sempre, un tavolo con sopra due sedie). Ti aspetti musicisti se non anziani, maturi: a questa festa si fa musica di tradizione, no? E non il folk-revival che tanti giovani gruppi cavalcano con disinvoltura. Invece no, eccoli lì, giovani e immersi nella musica tradizionale. Marco al piffero, gli occhi socchiusi, gamba e piede che segnano ininterrottamente il tempo, Daniele alla fisarmonica, lo sguardo che va, come a racchiuderli tutti, dalla fisarmonica alla sala al compagno. Tra i due, il cenno di intesa sul brano da attaccare, il più delle volte lo intuisci, ma non lo vedi, Il segreto è loro, tale deve rimanere. Cosa suoneranno infatti i suonatori? Una sequenza non codifìcata, prevedibile ma non sempre. Un valzer, una mazurca, una polca: però anche due polche a fila, che energizzano e accaldano i ballerini, o due valzer intensi per continuare a volteggiare. Oppure ecco partire una serie di Monferrine, il ballo collettivo, momento di insieme per eccellenza, quando i ballerini sono in cerchio faccia a faccia, gli sguardi si incrociano, gli amici ammiccano e si chiamano, poi si riprende a coppie il balletto, e capita che un adulto balli con un bambino. Insomma, anche l’attesa del brano che verrà ‘fa’ la festa. Soprattutto, tra la gente che partecipa alla festa e i suonatori, si crea un legame impalpabile eppure forte.

A vedere Marco e Daniele sul palco ad esempio (il palco è, sempre, un tavolo con sopra due sedie). Ti aspetti musicisti se non anziani, maturi: a questa festa si fa musica di tradizione, no? E non il folk-revival che tanti giovani gruppi cavalcano con disinvoltura. Invece no, eccoli lì, giovani e immersi nella musica tradizionale. Marco al piffero, gli occhi socchiusi, gamba e piede che segnano ininterrottamente il tempo, Daniele alla fisarmonica, lo sguardo che va, come a racchiuderli tutti, dalla fisarmonica alla sala al compagno. Tra i due, il cenno di intesa sul brano da attaccare, il più delle volte lo intuisci, ma non lo vedi, Il segreto è loro, tale deve rimanere. Cosa suoneranno infatti i suonatori? Una sequenza non codifìcata, prevedibile ma non sempre. Un valzer, una mazurca, una polca: però anche due polche a fila, che energizzano e accaldano i ballerini, o due valzer intensi per continuare a volteggiare. Oppure ecco partire una serie di Monferrine, il ballo collettivo, momento di insieme per eccellenza, quando i ballerini sono in cerchio faccia a faccia, gli sguardi si incrociano, gli amici ammiccano e si chiamano, poi si riprende a coppie il balletto, e capita che un adulto balli con un bambino. Insomma, anche l’attesa del brano che verrà ‘fa’ la festa. Soprattutto, tra la gente che partecipa alla festa e i suonatori, si crea un legame impalpabile eppure forte.

A vedere Marco e Daniele sul palco ad esempio (il palco è, sempre, un tavolo con sopra due sedie). Ti aspetti musicisti se non anziani, maturi: a questa festa si fa musica di tradizione, no? E non il folk-revival che tanti giovani gruppi cavalcano con disinvoltura. Invece no, eccoli lì, giovani e immersi nella musica tradizionale. Marco al piffero, gli occhi socchiusi, gamba e piede che segnano ininterrottamente il tempo, Daniele alla fisarmonica, lo sguardo che va, come a racchiuderli tutti, dalla fisarmonica alla sala al compagno. Tra i due, il cenno di intesa sul brano da attaccare, il più delle volte lo intuisci, ma non lo vedi, Il segreto è loro, tale deve rimanere. Cosa suoneranno infatti i suonatori? Una sequenza non codifìcata, prevedibile ma non sempre. Un valzer, una mazurca, una polca: però anche due polche a fila, che energizzano e accaldano i ballerini, o due valzer intensi per continuare a volteggiare. Oppure ecco partire una serie di Monferrine, il ballo collettivo, momento di insieme per eccellenza, quando i ballerini sono in cerchio faccia a faccia, gli sguardi si incrociano, gli amici ammiccano e si chiamano, poi si riprende a coppie il balletto, e capita che un adulto balli con un bambino. Insomma, anche l’attesa del brano che verrà ‘fa’ la festa. Soprattutto, tra la gente che partecipa alla festa e i suonatori, si crea un legame impalpabile eppure forte.

Mi pare illuminante, in questo senso, un pensiero dell’artista e artigiano siciliano Mimmo Cuticchio, che ho avuto occasione di incontrare poco tempo fa nel suo teatro-laboratorio di Palermo. Cuticchio è un ‘puparo’, fa ovvero Teatro dei Pupi (l’antico teatro di marionette siciliano, speciale per tecniche d’animazione e per il repertorio, che tratta le avventure dei Paladini di Francia); è figlio d’arte, e all’altra estremità d’italia, svolge da anni con caparbietà il suo lavoro sulla tradizione, ma riuscendo ad arricchirla di poetiche nuove. Riporto la frase di Cuticchio con il suo gentile consenso, ringraziandolo. Il passato è un viaggio iniziato dagli altri e trasmesso a noi perché possiamo proseguirlo. Il tratto di percorso clic ci compete deve necessariamente essere di nuova esplorazione, di arricchimento , perché, a nostra volta, possiamo trasmettere a chi verrà dopo di noi, un poi patrimonio che è come dire una “nuova tradizione’. Emanuela Garampelli

La zona dell’Appennino settentrionale detta delle “Quattro Province” (poiché in quest’area si incontrano e confinano le province di Alessandria, Genova, Pavia, Piacenza) è un territorio in cui è tuttora presente con grande vitalità una forte tradizione musicale legata al piffero. Il repertorio di questo antico strumento ad ancia doppia della famiglia dell’oboe, comprende musiche da ballo, musiche rituali e di accompagnamento ai canti. Fino ai primi anni del secolo, il piffero è stato accompagnato dalla mùsa (piccola cornamusa ad un solo bordone), che quindi è stata gradualmente rimpiazzata dalla più moderna fisarmonica. Questa scelta innovativa operata dai suonatori dell’epoca, permise al piffero di mantenere il repertorio da ballo più antico (costituito da Gighe, Monferrine, Alessandrine, Stranot o brani rituali cantati) e di aprirsi nel contempo al repertorio più moderno (Valzer, Mazurche, Polche).

Questo stesso spirito accompagna il lavoro di Marco Domenichetti e Daniele Scurati, attenti sia al mantenimento delle funzioni più tradizionali della musica delle Quattro Province che all’apertura e all’incontro con altre e nuove esperienze musicali. Un orientamento artistico ispirato anche dall’intenso lavoro svolto dal duo con il musicista Stefano Valla, e dal percorso tracciato da i gruppi suonatori delle Quattro Province, dal francese di Montpellier Une Anche Passe, con i quali Marco e Daniele hanno collaborato in diverse occasioni, cosi come con numerosi suonatori di tradizione della zona delle Quattro Province. li repertorio di “Per sentieri di festa” si propone quindi come espressione di una tradizione ininterrotta eppure in continua evoluzione.

Dei brani che compongono il disco, Alessandrine e Monferrine, le più antiche danze di gruppo, sono tuttora ballate durante le feste della zona. Altri brani, come Stranòt e Bella nòva, appartengono al repertorio rituale utilizzato per matrimoni e feste itineranti lungo le vie dei paesi. Ed è in queste occasioni che scaturiscono canti come Splende la luna, tipico esempio del repertorio polivocale appenninico (qui accompagnato da piffero e fisarmonica) con la partecipazione dalle voci di lvo Domenichella, Cesare Campanini, Stefano Valla: il brano è dedicato ad Attilio ‘Cavalli’ Spinetta e alle Voci del Lesima. I Valzer, le Mazurche e le Polche sono eseguiti in funzione di quegli elementi stilistici particolari tipici della zona, che ancora oggi caratterizzano lo stile queste danze di coppia, vedi la polca a saltini. Ne il Valzer di Vittoria Marco Domenichetti duetta con l’energico piffero di Massimo Perelli. Il valzer Capr(foglio (per E.) è una composizione originale di Marco Domenichetti, nata come esigenza di nuove scritture su caratteri stilistici tradizionali. Ancora, nei brani tradizionali come il valzer Correvo più delle mie gambe e l’Alessandrina N. 15, si sperimentano arrangiamenti decisamente nuovi, grazie anche al sensibile apporto del giovane chitarrista Alberto Graziani.

Marco Domenichetti piffero, voce
Daniele Scurati fisarmonica. voce

Ospiti Cesare “Cisdra” Campanini voce solista in Bella nòz’a e primo in Splende la luna
Ivo Domenichella basso in Splende la luna
Alberto Graziani chitarra in Correvo più delle mie gambe e Alessandrina in La
Massimo Perelli secondo piffero in Valzer di Vittoria
Stefano Valla secondo in Splende la luna

Registrato e mixato il 4- 6 Maggio, 1999
presso lo Studio Settenote Service Via Matteotti 30,Voghera (PV)
tel Ei fax 0383 369100
Email 7note@m.box.alfieri.voghera.pv.it

Tecnico del suono Luis “Dela Piva” Pivetta

Prodotto da Beppe Greppi
Produttore esecutivo Stefano Valla
Foto Stefano Valla

Marco e Daniele ringraziano: Angela e Antonio Domenichetti, Sandra e Cesare Scurati, Emanuela Garampelli e Stetano Valla per l’infinita pazienza e disponibilità, la cantina di Silvano per il Piciurla, Roberto Piccoli per la chitarra, la Società dell’Accademia e tutti gli amici che li hanno sostenuti.

Una suite di musiche e racconti liberamente ispirati alla tradizione, uno zibaldone di frammenti sonori e visivi legati agli ambienti e alle atmosfere che hanno reso celebri nel tempo i cantastorie.

Racconti arricchiti e ‘romanzati’ alla maniera dei tradizionali cantastorie, intrattenitori ambulanti, che erano soliti spostarsi di città in città , di piazza in piazza, dove incominciavano a cantare, a suonare, a esibire i loro fogli volanti e i loro cartelloni a tutti coloro che si radunavano ad ascoltare e a guardare.
Intorno ai cantastorie si formava un gruppo di passanti curiosi, creando un palcoscenico ideale per le loro esibizioni.
Il linguaggio era spontaneo, la musica popolare, lo spettacolo nel suo complesso semplice e spesso improvvisato. Il cantastorie era cronista, musicista, poeta, saltimbanco, clown, ma soprattutto sapeva stabilire un contatto diretto con il proprio pubblico.

Progetto: Giovanni Sarani, Vittorio Renuzzi
Testi originali: Vittorio Renuzzi
Musiche originali: Giovanni Sarani, Giuseppe Pinna
Multivisione: Gian Carlo Carraro
Live electronics: Marco Domenichetti

:: Interpreti ::
Vittorio Renuzzi: voce recitante
Paola Zadra: voce
Giovanni Sarani: piano e fisarmonica
Giuseppe Pinna: chitarra
Giorgio Ghezzi: contrabbasso
Marco Domenichetti: flauti, piffero

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